Historia del diseño, Apuntes de Estética

¡Descarga Historia del diseño y más Apuntes en PDF de Estética solo en Docsity! 1. LA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL (Inglaterra) La Revolución Industrial se inicio a principios del siglo XIX en Gran Bretaña aunque mas tarde se extendió por todo el continente y se desarrollo paralelamente en los Estados Unidos. Fue un proceso lento de transformaciones. Gran Bretaña disponía de una gran acumulación de capital y materias primeras ya que disponía de muchas colonias por todo el mundo. El imperio comercial británico y la propia burguesía de la metrópolis provocaban una demanda de productos imposibles de satisfacer con los antiguos sistemas de producción artesanal y para evitar que el país se paralizara se inventaron los nuevos tipos de maquinas. La invención de la máquina de vapor inventada por James Watt en 1759 fue una de las más importantes innovaciones de la Revolución Industrial también la industria textil aprovechó el poder del agua para el funcionamiento de algunas máquinas. Estas industrias se convirtieron en el modelo de organización del trabajo humano en las fábricas. Además de la innovación de la maquinaria, la cadena de montaje (fordismo) contribuyó mucho en la eficiencia de las fábricas. La maquina de vapor se aplicó tanto a la industria como al transporte que provoco un gran cambio en las comunicaciones: Ferrocarriles (Se utilizaban sobretodo para la extracción de carbón y mas tarde se emplearían para el transporte de personas) y los barco (mas grandes y no dependían del viento para moverse). En 1859 se hizo la primera línea de ferrocarril que unía Mataró con Barcelona. Los artistas también pasaron a dedicar sus obras a la Revolución Industrial como por ejemplo McNeil Whistler. La gente que vivía en el campo se dio cuenta de que con la industria se vivía mejor y decidía mudarse a las ciudades industrializadas. Las ciudades que se encontraban bien ubicadas para el desarrollo de la industria sufrían un boom en el cual su población aumentaba cinco veces. Barcelona y Bilbao fueron las primeras ciudades industrializadas de España y Barcelona aumento más de diez veces su tamaño. La Revolución Industrial aporto nuevas tipologías de edificios (grandes estaciones de ferrocarriles) con estructuras de hierro que los hacían mas consistentes, los agujeros entre la estructura se rellenaban con vidrio o ladrillos. Las estaciones de trenes aumentaron su altura ya que el humo de los trenes podía contaminar a las personas. Los altos hornos ayudaron a crear las estructuras de hierro de los edificios gracias a que se podían hacer piezas más grandes y complejas. THE GREAT EXHIBITION (La primera Exposición Universal) La primera Exposición Universal fue en 1851 en Londres y fue creada por el príncipe Alfredo el cual quería dar a conocer los inventos de Inglaterra a todo el mundo. Fue concebida para mostrar el progreso de todo el mundo: maquinaria, productos manufacturados, esculturas, materias primas, todos los frutos de la creciente industria humana y de su ilimitada imaginación. Esta gran exposición fue hecha en el Cristal Palace (600m de longitud x 120m de anchura x 35m de altura) creado por Joseph Packstone. El Cristal Palace fue construido en High Parck y al final de la exposición se desmonto para su traslado a Wimbeldone y mas tarde se incendiaria y quedaría destruido por completo. La exposición fue un éxito y se decidió seguir haciéndola cada año pero cambiando de sede por diferentes países. En Barcelona se han celebrado dos Exposiciones Universales 1888 y 1929. En 1850 se destruyo la ciudadela y encima se construyó el parque de la Ciutadella. En ese momento de expansión se decidió montar la primera Exposición Universal en España y en 1888 se celebro en Barcelona ciudad. Como entrada a la Exposición se construyo un arco de triunfo, se montaron diferentes edificios que aun siguen en pie y también se construyo el monumento hecho por Nosere y con la colaboración de Gaudi, el monumento era una cascada con un lago debajo. Domenech i Montane construyo el Gran Hotel Spania para albergar a todos los visitantes pero después de la expo se derruyo. El monumento a Colon también fue diseñado para la exposición con el fin de ensalzar los descubrimientos Españoles. En 1929 se hizo la segunda Exposición Universal, esta exposición tubo sede en Montjuic que fue ajardinado y se edificaron diferentes edificios para su celebración. También se construyeron monumentos entre los cuales se encuentran la fuente central, las cuatro columnas y las dos torres iniciales. 2.1. ESCUELA DE CHICAGO (Estados Unidos) El 8 de Octubre de 1871 sucedió el famoso incendio de Chicago que en tres días arraso toda la ciudad ya que toda la ciudad estaba hecha de madera. En el incendió murieron 300 personas de 300000 que habían antes. A partir de ese momento diferentes arquitectos se dedicaron a reconstruir la ciudad y se monto la escuela de Chicago. Entre estos arquitectos se encontraban: William Le Baron Jenney (director), Louis Sullivan, Frank Lloude Wright, Daniel Brunhaml, John Root, Dankmar Adler, William Hollebird, Marin Roche, etc. Estos arquitectos hicieron muchos avances arquitectónicos. Por primera vez se construyo un edificio con un esqueleto metálico y gracias es esto los edificios podrían ser mas altos, así aparecieron los rascacielos. El esqueleto metálico lo diseño Le Baron Jenney, el también descubrió y aplico en su arquitectura los cimientos flotantes. Este tipo de cimentación se utilizaba para que cuando los edificios se movieran no se rompieran. También se incorporó el ascensor para trasladar personas de arriba abajo. Se utilizaba un ladrillo hueco para que no pesaran tanto y por qué eran más resistentes al fuego. Las ventanas ganaron más protagonismo en las edificaciones (La ventana de Chicago). Estéticamente la decoración de las fachadas desaparece y gana protagonismo la fachada sencilla. También se utiliza la geometría para construir y lo que mas importa de los edificios es la funcionalidad, se busca conseguir la máxima luz, ventilación y espacio. La escuela de Chicago hará que los arquitectos trabajen juntos cosa que antes no sucedía. En 1893 se organizo la Columbian Exposition pero no se abrió al público hasta más tarde. Luis Salliban fue el arquitecto por excelencia de la exposición, el diseño el Auditorium Bulding. Este edificio tenía diferentes funciones, dentro de él había un teatro que albergaba a 4000 espectadores, un hotel y una parte que estaba dedicada a oficinas. Otra importante edificación de Salliban fue el Carson, Pierie and Scott Bulding que se dedico a albergar unos grandes almacenes. 2.2. HENRY FORD (Estados Unidos) Henry Ford trabajaba en el campo pero al morir su madre decidio dedicarse a la ingeniería. En 1896 diseño su primer coche y en 1899 monto su primera compañía de coches. En 1903 le cambio el nombre a la compañía y la llamo Ford Comapny. Esta compañía se convirtió en la mayor del mundo y Henry Ford en la persona más rica del mundo (1909). Sus primeros clientes fueron sus propios obreros ya que cobraban muy bien y se podían permitir el Ford T. A él se le atribuye el fordismo, sistema que se difundió entre fines de los años treinta y principios de los setenta y que creó mediante la fabricación de un gran número de automóviles de 1914 en Colonia, que fue un momento álgido de su historia antes de la primera guerra mundial. Este teatro fue su mejor trabajo, pero que solo estuvo en pie un año al ser destruido en la guerra. Van de Velde tuvo de dejar Alemania por ser ciudadano de un país enemigo. Hay que destacar que, durante la exhibición de 1914 en Colonia, se evidenció la clara disidencia entre el sector más individualista (encabezado por van de Velde) y el sector más funcionalista (encabezado por Muthesius). Walter Gropius decidió reconducir las artes a la arquitectura fundando la Bauhaus en Weimar en 1919. Hermann Muthesius se inspiró en el movimiento inglés "Artes y Oficios" preconizado por William Morris. Aunque tras una conferencia que generó gran polémica por condenar el historicismo del arte prusiano, se vio impelido a fundarlo sobre la base de sus viajes a Inglaterra donde conoció y se vio ampliamente influido por William Morris y su movimiento, el Arts & Crafts. Se distanciaba de este al admitir la utilización de la máquina y del proceso industrial. Esta asociación se dividía en dos partes: una encargada de la producción del diseño (producción mecánica en masa) y en la preservación de la expresión artística industrial. La Werkbund manifestaba un interés tan amplio por la industria que se confió a Peter Behrens la tarea de proyectar publicaciones, logotipos, lámparas, escaleras eléctricas, fábricas, conjuntos de habitaciones para obreros, tiendas y publicidad para la AEG. La Werkbund trabajaba ya en el dominio de diseño industrial. Se veían en las páginas de los anuarios de la Werkbund reproducciones de fábricas, de muebles, de lámparas, de locomotoras del Maffeiwerke de Múnich, ferrocarriles eléctricos, buques, reproducciones del avión de Rumper, puentes de hormigón armado, puentes colgantes de acero, etc. El Deutscher Werkbund se extendió pronto a Suiza, donde se fundó el llamado Swiss Werkbund, movimiento que publicó la Revue Mensuell de l’Ouvre, con sede en Lausana. La Allgemeine Elektricitäts-Gesellschaft (AEG), en español Asociación General de Electricidad, era una empresa alemana fundada en 1883 por Emil Rathenau, que en ese año adquirió la licencia de las patentes de Thomas Alva Edison en Alemania. La empresa, en principio, se llamó Asociación Edison de Alemania. Luego en 1887, ese nombre cambió a Asociación General de Electricidad (Allgemeine Elektrizitäts-Gesellschaft). En los comienzos la empresa se dedicó a la fabricación de calentadores de agua eléctricos, planchas eléctricas, teteras eléctricas y otros aparatos. A partir de 1907, comenzó a trabajar como asesor el diseñador Peter Behrens, que diseñó la imagen corporativa de la empresa, los edificios de sus fábricas y una serie unificada y sistémica de productos eléctricos además de la famosa AEG Turbinenhalle de Berlín. 5. LAS VANGUARDIAS 5.1. EL CUBISMO (Picaso, Juan Gris, Georges Braque) El cubismo es considerado el movimiento más importante de los fenómenos vanguardistas del siglo XX por ser el más radical y sistemático influyendo a la mayoría de los artistas con inquietudes de renovación. Esta vanguardia surgio en Paris y estuvo formada por dos periodos: - Fase analítica (1907-1912): Las figuras se descomponen en formas geométricas más pequeñas, mezclándose con el fondo y creando una nueva forma del objeto real. Los colores usados transmiten austeridad. - Fase sintética (1912-1921): Se utiliza el collage (ropa, vidrio, arena, papel de diario...) y la cantidad de vistas de la imagen disminuye. Este movimiento respondía a la gran cantidad de avances tecnológicos y científicos que tuvieron lugar en la Segunda Revolución Industrial, (la electricidad, el petróleo, el motor de explosión, la industria química, el teléfono...) y el cambio en el modo de pensar del humano (marxismo, psicoanálisis). Además la Primera Guerra Mundial ayudó a que los pintores cambiasen el modo de ver el mundo, y por lo tanto, el modo de pintar. Trataba las formas de la naturaleza utilizando formas geométricas y representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo no tenía por qué parecer real. En el Cubismo consiguen el volumen con el color, las formas definidas y geométricas, sin ayuda de perspectiva. Los grandes volúmenes se fragmentan en otros más pequeños, y por esta razón se rompe el trazo lineal. Por eso es comparado con el reflejo en un espejo roto o la visión caleidoscópica. Desaparecen las luces y las sombras a causa de la descomposición del volumen. La perspectiva múltiple se consigue multiplicando los ángulos de visión de un mismo objeto. El color es aplicado en pequeñas cantidades sin ser el color real del objeto. Los temas más frecuentes son retratos, naturalezas muertas urbanas y otros objetos sencillos. 5.2. EL FUTURISMO El futurismo fue un movimiento artístico de principios del siglo XX encajado dentro del contexto de las primeras vanguardias que dio la espalda a la estética tradicional y que intentó exaltar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el tiempo. El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó en París los principios del futurismo en el Manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos como Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto del Futurismo. El principal propósito ideológico que defendía el Manifiesto Futurista fue el de romper, pues, con el pasado y exaltar el poder de la tecnología, la máquina y la modernidad. Los artistas buscaron obsesivamente reproducir nociones y percepciones vinculadas a la idea de progreso como el movimiento, el dinamismo, el cambio y la transformación, dado que el futurismo se caracterizaba por este intento de captar la sensación del movimiento. Por eso inventaron una nueva técnica formal, el simultaneismo, que consistía en repetir las imágenes de manera superpuesta y constituir así una especie de secuencia fílmica con colores vivos y muy variados. Se superpusieron acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un único plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York) y el Tren Suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini. Exaltación de la guerra y las máquinas de guerra. A pesar de que el futurismo tuviera una duración corta, aproximadamente hasta el 1914, su influencia se aprecia en las obras 3 de Marcel Duchamp (dadaísta), Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el constructivismo ruso. 5.3. EL DADAISMO El Dadaismo o movimiento Dadà fue un movimiento antiarte surgido en Zurich (Suiza) en 1916, en plena primera guerra mundial. Posteriormente se convertiría en un movimiento artístico en si mismo. Se caracteriza por los gestos y manifestaciones en contra de los estándares prestablecidos del arte de la época, creando así una oposición rebelde llamada antiarte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético ya que se cuestiona su existencia y los critica porque lo hacen servir para juzgarle. El dada se presenta como una ideología totalitaria, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda la tradición o esquemas anteriores. Defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección, también priorizan elegir las cosas al azar. Su objetivo era escandalizar a la burguesía. Está contra del modernismo, es decir, del expresionismo, del cubismo, del futurismo i de abstraccionismo. Propugna la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los otros dicen si y el sí donde los otros dicen no y sus formes expresivas son el gesto, el escandalo, la provocación. Los dadaístas utilizaron la técnica del fotomontaje para plasmar la realidad que les circundaba, utilizando materiales visuales excepto los medios de comunicación. En 1915, Marcel Duchamp presenta su primer ready-made, la máxima expresión del hecho anti-artístico. Ya no se realiza una obra de arte, sino que se escoge un objeto, de entre los objetos cotidianos. Artista no es el que pinta o esculpe, sino el que escoge un objeto, no por su calidad estética o simbólica, sino aleatoriamente y la convierte en arte por haber elegido ente muchas otras. Lo propio del dadaísmo eran las veladas Dada realizadas en cabarets o galerías de arte en las cuales se mezclaban fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y un ceremonial continuo de provocaciones. R. mutt 5.4. EL SURREALISMO El surrealismo es un movimiento de las primeras vanguardias de carácter patriótico y con todos los movimientos vanguardistas cuestionaba y negaba el arte del pasado y proponía como alternativa nuevos lenguajes basados en la experimentación de materiales i nuevas técnicas. Fue fundado por André Breton, Salvador Dalí, Frida Kahlo. Los artistas de este periodo mostraban un rechazo a la idea del arte como imitación de la realidad i buscan nuevas formas de interacción del espectador con la obra, esto les serbia a los artistas para expresar sus sentimientos y emociones subjetivas La experimentación, la originalidad y la polémica se hicieron los nuevos parámetros artísticos y se doto al arte de una libertad compositiva y interpretativa, cosa que hasta el momento iba marcada por ciertas pautas harmónicas. Esta libertad permitió a los artistas mostrar mas sensibilidad en los hechos históricos como la aceleración del proceso científico y tecnológico. Es un arte que recogió de la pintura metafísica las imágenes inquietantes producida durante el sueño y le añadió el automatismo, es decir, que las obras se realizaban mediante la expresión libre, rápida y fluida sin predominio del control de la razón. Este corriente artístico pretendía indagar en el subconsciente humano y romper con las estructuras lógicas y la visión habitual establecida del mundo. Se interesaba por las cosas absurdas, alucinantes, la locura y los sueños. Estaba muy influenciado por las teorías psicoanalíticas de Freud. Dentro del Surrealismo podemos encontrar dos corrientes: - Automatismo: Reproduce un universo de símbolos, a veces abstractos, surgidos del inconsciente i del azar. Los encontramos reflejados de manera rápida y fluida. - Onírico: Pretende llegar al fondo de la persona a través de los sueños o de la asociación de ideas absurdas y espontaneas. Recrea asociaciones extrañas e inquietantes propias de los sueños. como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía. Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizaron la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas) en París, y se llamaron a sí mismos los modernos. Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos de principios del siglo XX y, a diferencia del art nouveau, se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del constructivismo, cubismo, futurismo, del propio art nouveau, del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del art déco, afín a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones. Como estilo de la edad de la máquina, utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas, producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño se expresaron en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutrió de las experiencias del fauvismo; trapezoides, facetamientos, zigzags y una importante geometrización de las formas son comunes al art déco. Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el art déco se caracteriza también por los materiales que prefiere y utiliza, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón (shagreen) y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y naturalistas del art nouveau), los patrones del galón (chevrón) y el adorno en forma de sunburst son típicos del art déco. Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles: desde el diseño de zapatos para señoras hasta las parrillas de radiadores, el diseño de interiores para teatros y rascacielos como el Edificio Chrysler. 7.2. LE CORBUSIER (Francia) Charles Édouard Jeanneret-Gris, más conocido, a partir de la década de 1920, como Le Corbusier, fue un teórico de la arquitectura, arquitecto, diseñador y pintor suizo nacionalizado francés. Es considerado uno de los más claros exponentes del Movimiento Moderno en la arquitectura, y uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. Le Corbusier fue, además de un gran arquitecto y pintor, un eminente teórico de la arquitectura. Escribió varios libros, en los que ejemplificaba sus ideas mediante proyectos propios (a la manera clásica como lo hizo en su momento, por ejemplo, Andrea Palladio en I Quattro Libri dell'Architettura)5 Tuvo muy claro que, aparte de saber crear buenos edificios era necesario saber explicarlos y transmitirlos al resto de los profesionales y a los estudiantes, y ejerció con gran maestría la tarea de publicitar su propia obra. Como visionario, Le Corbusier veía la posibilidad de cambiar el mundo a través de la arquitectura. Si bien nunca se alió con un grupo político en particular, su postura estaba más cerca de una postura liberal (algunos lo han descrito como un socialista, adjetivo que probablemente se queda corto para caracterizar sus actividades), y como tal, veía todo proceso de diseño con fines utópicos. Lo que le permitió contribuir grandemente al significado de la arquitectura en general. Tambien diseño mobiliario como la Chaise- Longe En 1926 Le Corbusier presenta un documento donde expone en forma sistemática sus ideas arquitectónicas: los llamados «cinco puntos de una nueva arquitectura» representan una importante innovación conceptual para la época, aprovechando las nuevas tecnologías constructivas, derivadas especialmente del uso del hormigón armado (hasta entonces este material se usaba en viviendas y monumentos disfrazándosele de piedra esculpida con molduras): 1. La planta baja sobre pilotes: para Le Corbusier, la planta baja de la vivienda, al igual que la calle, pertenecía al automóvil, ya sea para circulación o aparcamiento, por este motivo la vivienda se elevaba sobre pilotes liberando a la planta baja de apoyar su masa sobre el suelo para permitir el movimiento de los vehículos o la continuidad del verde. 2. La planta libre: a partir de la estructura independiente, aprovechando la tecnología del hormigón armado genera una estructura de columnas en la que apoyan losas, de esta forma, la planta es libre de condicionantes estructurales como para que el arquitecto decida dónde poner los cerramientos o dónde no, siendo independientes de un nivel al otro. 3. La fachada libre: el corolario del plano libre en el plano vertical. La estructura se retrasa respecto de la fachada, liberando a ésta de su función estructural. 4. La ventana alargada: por el mismo motivo del punto anterior, también los muros exteriores se liberan, y las ventanas pueden abarcar todo el ancho de la construcción, mejorando la relación con el exterior y permitiendo un mejor asoleamiento de los espacios interiores. 5. La terraza-jardín: para Le Corbusier la superficie ocupada en planta por la vivienda debía de ser devuelta a la naturaleza en forma de jardín en la cubierta del edificio, convirtiendo el espacio sobre la vivienda en un ámbito aprovechable para el esparcimiento, que además permitía mantener condiciones de aislamiento térmico sobre las nuevas losas de hormigón. 8. AMERICA 1930 (Estados Unidos) El streamline moderne, también llamado simplemente Streamline o Streamlining (en español llamado estilo aerodinámico o aerodinamismo) fue una rama del estilo Art Decó tardío que tuvo su apogeo en el año 1937. El estilo se caracterizaba por el uso de formas curvas, líneas horizontales largas y a veces elementos náuticos, como barandas y ventanas de portillo. El estilo aerodinámico surgió en el contexto histórico de la crisis que se produjo en los Estados Unidos debido a la depresión de finales de la década de 1920 y comienzos de 1930. Con el objetivo de captar interés en los consumidores y compradores, se apeló a un cambio formal del estilo predominante en el área de la arquitectura y el diseño. Se propuso un cambio formal acorde al nuevo mundo que estaba surgiendo. El nuevo enfoque tuvo la influencia del futurismo, que glorificaba la velocidad y estaba basado en investigaciones técnico-científicas orientadas a lograr superficies que ofrecieran menor resistencia al avance para aplicaciones ingenieriles. Con el paso de la década, surgió en Estados Unidos un nuevo aspecto del Art Déco, creado por diseñadores industriales que dejaron de lado las ornamentaciones del estilo en favor del concepto de las líneas de corriente. La aerodinámica se aplicó en los más diversos ámbitos del diseño y la arquitectura, desde casas, hoteles, autos y hasta en objetos que no requerían diseño aerodinámico como sacapuntas de lápices. En el área del diseño industrial se popularizó gracias a diseñadores como Norman Bel Gedes. El estilo se extendió tanto en los Estados Unidos que ha llegado a ser considerado como sinónimo de diseño industrial estadounidense de las décadas de 1930 y 1940. En la arquitectura, el aerodinámico fue el primer estilo en incorporar la luz eléctrica en la estructura arquitectónica. El vestíbulo del Strand Palace Hotel (1930), salvado de la demolición del Victoria and Albert Museum en 1969, marcó uno de los primeros usos de la luz interior del vidrio arquitectónico, y casualmente fue el primer interior de estilo aerodinámico que se conserva en un museo. A pesar de que el estilo se usó principalmente en edificios comerciales, existen algunas viviendas de este estilo. La Casa de Lydecker en Los Ángeles, construida por Howard Lydecker, es un ejemplo de diseño aerodinámico en arquitectura habitacional. Características comunes: x Orientación horizontal x Bordes redondeados, ventanas esquineras y ladrillos de vidrio x Ladrillo de vidrio x Ventanas ojo de buey x Hierro cromado x Paredes de superficie lisa, generalmente estuco x Azoteas lisas con remate x Ondas o rectas horizontales en las paredes x Colores apagados: predominio de pinturas color tierra, blanco opaco y beige como base, y colores brillantes u oscuros en las molduras para contrastar 9. DISEÑO ORGANICO 9.1. DISEÑO ESCANDINAVO: Alvar Aalto (Países Escandinavos) Definimos como diseño escandinavo al desarrollado en Noruega, Suecia, Finlandia, y nos extendemos a Dinamarca sin dejar de ver la influencia que ejerció el diseño holandés. El peso del aporte que genero el finlandés Alvar Aalto, es incuestionable. Porque además de arquitecto el desarrollo como un excelente diseñador, con objetos, muebles, lámparas y elementos para la arquitectura de gran valor plástico e innovador en cuanto a tecnología y tipologías formales. El lenguaje de lo orgánico es el que se le ha asignado a la obra de Alvar Aalto y es tal vez esta corriente o a manera de ver las formas, la que definitivamente ha puesto el sello al diseño escandinavo. Intentando definir al diseño orgánico podríamos decir que las características de todo organismo es el hecho de dejarse percibir como tal, es decir como un sistema, con un crecimiento, con las partes caracterizadas, pero con continuidad, sin ensambles o uniones, que se percibe como un todo y en donde cada parte denota la función. En diseño las continuidades formales, han sido posibles gracias al desarrollo de ciertas tecnologías, ya que sugieren la construcción del objeto. Otra característica de lo orgánico en el campo del diseño, parecería ser el uso inteligente de materiales naturales, por ejemplo la madera maciza que cuando puede ser curvada toma características orgánicas. La estrategia del diseño escandinavo en su etapa inicial, fue el uso de madera laminada curvada esto le introdujo el grado de novedad necesaria para ser introducido; luego en una segunda etapa el uso de los platicos encontraron en lo orgánico su lenguaje. La característica de lo orgánico esta plateada también en la relación entre las partes; si las partes funcionan, funciona el todo y si funciona el todo, este es armónico.