Legislación Bellas Artes, Apuntes de Arte

¡Descarga Legislación Bellas Artes y más Apuntes en PDF de Arte solo en Docsity! El arte como externalidad positiva. Para comenzar, recordar la formulación de Joseph Beuys, un artista alemán que trabajó con varios medios como la escultura, performance, hapennings, videos e instalación y que perteneció al grupo Fluxus. Éste artista planteó “Kunst = Kapital”, es decir, “Arte=Capital”. Esto no fue novedad, y tampoco se contradijo, ya que con el crecimiento del arte en el siglo XX y XXI, el arte y el dinero iban cogidos de la mano. Al año siguiente de esta acción, una viñeta de El Roto, durante la celebración de Arco, y el estallido de la crisis económica, escribió “El pintor no pinta nada, amiguito, el que pinta es el que maneja los mercados”. Es verdad que puede haber aspectos en los que el arte puede parecer que genera mucho dinero, pero mirando a comparaciones podemos discutir éste dicho. Podemos conocer los precios de las obras que salen a subasta, las cuales parecen bastante transparentes. Los principales países con mayor mercado en Arte son Francia, con un total de 2.028,13 millones de Euros, Reino Unido, superando a Francia con 6.763,38 millones de Euros, y por encima de todas Estados Unidos con 12.500,00 millones de Euros. Con el tiempo se han ido incrementando las casas de subastas y galerías en todo el mundo, y con ellas, aumentando las ventas. Con ello, también se mueve en periódicos y revistas los movimientos de las obras, las que se van a subastar, su precio de salida y el dónde. Una noticia reciente, también comenta que los mayores inversores en Sotheby´s, son orientales, comprando, como por ejemplo en Japón, una obra por 12.390.000€ El crecimiento del mercado de Arte no significa que tenga un desarrollo global en sentido económico. Los artistas, marchantes, casa de subastas, y todo lo que le rodea, pretenden, como es normal, que haya un crecimiento económico en la industria. El volumen económico del arte, se conoce sobre todo por lo ya dicho antes, los datos de las casas de subastas y galerías. Se da casi siempre por supuesto que el arte mueve mucho dinero. Así se da como por ejemplo en el año 2006, que la totalidad del mercado internacional fueron 43,3 billones de euros en ventas. Por otra parte cabe destacar, que hablando de forma individual, la media de lo que se gastó por ciudadano en lo que a arte visual se refiere corresponde a 6,8€, y las administraciones municipales destinaron el 10,6 por ciento Se puede considerar que el arte genera mucho dinero, pero si atendemos a comparaciones, el coste que desarrolla el arte en España es en torno a los 80 millones de euros siendo una cifra del total de las galerías, y una mediana empresa con prestigio, hace entre 30 y 150 millones En el documental de la burbuja del arte contemporáneo, hecho por Ben Lewis, habla de cómo el arte contemporáneo se ha usado como un juego para ricos, donde los coleccionistas han invertido y se han aprovechado de sus privilegios para generar dinero. Entre 2006 y 2007 se incrementó el valor de las obras de arte de personas fallecidas como Rothko o Warhol, pero también de otros vivos como Damien Hirst o Jeff Koons. Algunos de estos artistas se había incrementado el precio por personas que ayudaban a ello, comprando las obras en las subastas por mayor valor, lo que hacía incrementar el valor de todas sus obras. Algunas veces los mismo artistas o los marchantes eran los que pujaban por ellos mismos para así mantener su estatus y estar seguros de que su obra se estaba vendiendo bien. Esto provocaba un pensamiento de que el arte, cuanto mas caro se vendiera, mas valioso, además, cuanto mas valiera la obra, si se donaba se podían ahorrar hasta un 30% si la donaban. Sotheby´s, se convirtió en la casa de subastas principal, y con ello se permitía hacer préstamos a los compradores, y aseguraba a los artistas un tanto por ciento se vendiera o no la obra. Con ello también subían los precios de las subastas, ki que provocaba que los préstamos fueran mas grandes, por lo que las personas los devolvían mas lentamente, y la gente comprara las obras por encima de sus posibilidades. El artista Damien Hirst, estuvo jugando de forma mediática anunciando que todo lo que tenía se había vendido, pero salió una noticia a la luz la cual demostraba lo contrario. Por ello, decidió hacer su propia subasta sin de pender de otra casa, para demostrar que el arte se vendía por una demanda, y no por una manipulación de las casas de subastas. Consiguió vender todo, lo que aparentemente fue un éxito, pero obtuvo ayudas de sus marchantes para que la noticia fuera satisfactoria. Finalmente, con la subida de los precios de las obras y la crisis financiera, las subastas dejaron de vender tanto, y lugares como Sotheby´s descendieron en su venta y tuvieron que hacer recortes dejando de dar préstamos a los compradores y haciendo subastas más pequeñas. Én éste documental si podemos apreciar lo que Joseph Beuys decía; “Kunst=Kapital”. Hacia éste tipo de mercado, hay una artista que hizo una obra como crítica, llamada Carmela Gross, la cual puso una instalación en Madrid, con letras del estilo Hollywood, las cuales ponía “Se Vende”, criticando así la empresa en la que se ha convertido el arte. 3.Modelo de Durand-Ruel. Durand-Ruel, fue un comerciante de arte, al igual que su padre. De pequeño quería se militar, pero al fallecer su padre se tuvo que encargar del negocio familiar. Durand-Ruel, fue el descubridor de artistas coetáneos, que habían desarrollado una forma de pintar en las cuales destacaban la luz a través de pinceladas, y los cuales habían huido de la guerra franco-prusiana. Entre ellos se pueden destacar artistas como Monet, Manet, Degas o Renoir Cuando los descubrió, a Durand-Ruel le encantó esa forma de expresar la pintura, pero el público Francés fue escéptico y recibieron burlas hacia el estilo de éstos artistas. Pero él confió en su gusto y ayudó a estos artistas ofreciéndoles hasta un salario mensual, sirviéndole de amigo, hasta el punto en el que cuando su mujer falleció prematuramente, su trabajo era a lo que se dedicaba casi exclusivamente. Durand organizó una exposición en Londres en la cual expuso,entre otras mas convencionales, éste tipo de obras. En Londres y en Francia se recibían burlas sobre la forma en que estaban pintados, pero finalmente con su creencia en que esas obras eran buenas, llegaron a Nueva York en donde empezó su fortuna, ya que allí si que triunfaron, y dos años después, por la influencia de Nueva York, las empezaron a comprar en Francia y en Londres. Cuando empezaron a tener éxito, Durand era septuagenario, y dijo que si hubiera fallecido con sesenta años, se habría muerto con deudas y sin haber podido hacer que en lo que él creía triunfara, pero finalmente, su locura consiguió ser una creencia para los demás. Decir también, que sin él, los artistas impresionistas no hubieran triunfado, y por ello, es una figura tan importante para el impresionismo en particular, y el arte en general Éstos artistas consiguieron vivir del arte, pero no siempre ha habido, que sepamos, personas que han vivido del arte, ya que no sabemos de donde surgió el término de arte como tal. Y al igual que todo producto histórico, al igual que apareció, desaparecerá el arte en un futuro, porque además, no se puede calificar cualquier objeto creado por el hombre como arte, sino algo que no se identifique para un uso inmediato. La primera idea de arte como hoy lo hemos ido adaptando, fue la de los griegos, a través de la representación de la belleza, en la que crearon los cánones. Ésta no es mas que una idea, la de la belleza, pero la idea era crear, la posibilidad de invención resulta tan poderosa. Por ello, existe la distinción entre el arte y lo artesanal, ya que el trabajo manual no es la idea importante, sino la posibilidad de creación de la idea. En el período del arte medieval, podemos observar, cómo el arte que se hacía no tenía que ver con el concepto de belleza, sino con el fomento de la fe religiosa. Además, aquí podemos ver cómo catedrales, consideradas arte, no se hacían por las mismas personas que las diseñaban, y que actuaban un grupo de personas para crearlas. También destacar que éstas eran anónimas, lo que hacía bajar la competitividad entre los artistas. En el Siglo XX, se intentaron crear sociedades de artistas anónimos como los Nazarenos alemanes, y hoy en día también esta existente ésta idea entre los artistas, pero al no haber una marca que les haga crecer, es difícil comercializarlo y por tanto, vivir del arte a partir de este tipo de sociedades. La comercialización del arte en realidad no ha cambiado mucho hasta nuestra época, ya que tener un buen mecenazgo es y era imprescindible, como ha pasado con artista al llegar a alcanzar la riqueza y la fama hasta sitios insospechados, además, la materia prima para el arte sigue siendo, indiscutiblemente, el público. El hombre finalmente ha comercializado con todo, y el arte no iba a ser lo de menos, pero cuando ha conseguido el colmen de las ventas ha sido en la época moderna y en la contemporánea, en la cual se ha comercializado con arte hasta convertirlo en un dominio privado y no público. Ésta privacidad del arte comienza con la existencia de salones privados en lo que se exponían obras para invitados o visitantes autorizados. Esto proviene por Luis XIV el cual asignó el Salón Cuadrado del Palacio del Louvre para los artistas académicos. En éstos salones, los periodistas hacían comentarios sobre las obras, teniendo a Pidansant de Mairobert como referente, para describir la técnica, la obra y las impresiones del público para hacerlo llegar a la gente que no pudiera asistir a visitarla, y de ésta forma, se crearon los críticos de arte. Cuando una exposición conseguía ser muy aclamada, apareció la palabra éxito, proviniendo del latín “exit” que significa salida, refiriéndose a la salida del artista de su anonimato. Por estos hechos la forma de ganarse la vida los artistas cambió y se sufrió una revolución por ello, ya que empezó a comercializarse por la fama de los artistas y del público que le apoyara. El artista empezó a no tener relación con el que compraba su obra, y esto provocó que el artista se viera como una persona que no seguía las leyes establecidas, bohemio y sin dinero, y lo que también hizo que muchos de los jóvenes empezaran a exponer sus obras hasta salir a la luz. Poco a poco la industria del arte ha empezado a tener mas apoyo y se han ido extendiendo las galerías ferias y museos. Ademas, se cuenta hoy en día con muchas becas y ayudas para gente que incluso no ha comenzado su trayectoria profesional. También esto ha venido provocado por la salssa rosa que se ha creado en el arte mas o menos ponlo bonito capullo. 4. Los agentes del sistema artístico. El sistema artístico esta constituido por diferentes miembros los cuales están estrechamente relacionados entre sí, pero para comprender mejor la función de cada uno conviene analizarlos por separado. El Artista: En primer lugar, está el artista, un personaje con una larga tradición, el cual ha elegido una profesión difícil, y en la que se sufre al intentar ser sincero con uno mismo, y a la vez existe una incertidumbre de si podrá vivir de ello o no, a la vez que existe una satisfacción en la realización de su obra. Un artista, actualmente busca fama, dinero, reconocimiento por la gente del mundo del arte y premios por su trabajo. También hay quien se conforma con estar aceptado como un buen artista por la sociedad en general pero no ser de los mas destacados, los cuales no quieren decir que no puedan vivir del arte y lo tengan solo como un hobby. El crítico: El Curator: El cuartor o curador es la persona encargada de organizar exposiciones o museos con todo lo que conlleva, de forma administrativa con recursos económicos procedentes de instituciones públicas o privadas. Su principal función es resolver todos los problemas que puedan surgir en los museos. El curator puede estar contratado en un museo de las administraciones públicas o ser freelance, es decir, se un agente libre que viaja para encontrar a una persona que necesite de sus servicios. Esto es beneficioso para el curator ya que al viajar lo que va a conseguir es lo imprescindible para su trabajo, los contactos. El historiador académico: El historiador académico se propuso para que cuando falleciera un artista ilustre, creara un túmulo para la posteridad y se pusiera en la pira los pensamientos críticos del artista. Pero el historiador académico que se ha fomentado hoy en día no es ese, sino que es la persona la cual se encarga de establecer los nuevos criterios, sin dejar de lado los criterios adquiridos en la historia, y con ello hace que la forma de ver las cosas en la sociedad cambien y tengamos esa forma de verlas. El historiador debe atenerse minuciosamente a los antecedentes, para luego dar su visión de los acontecimientos y compartirlo con los demás haciendo de ello una realidad. Para ello éste necesita saber también de estrategia narrativa, óptica universal,etc. Al hacerlo, ha de tener en cuenta que existe un parlamento histórico histórico-artístico visual, que tiene los mismos sectores que se encuentran en la política, y los cuales pueden actuar con reivindicaciones o pensamientos ideológicos, aunque nunca de forma extrema, ya que eso podría influenciar y malentenderse por lo que no se podría publicar. El público: El público es parte importante en el sistema artístico, y los patrocinadores comerciales son conscientes de que viven de sus clientes, por lo que necesitan de su buen trato y ofrecer los gustos que el público pide. El arte está considerado como cultura y educación, por lo que los responsables públicos son conscientes de que tienen que enseñarle a quien no sabe, para así ademas, fomentar su consumo y seguir el negocio. 5.etapas de la carrera del artista. Las etapas de la carrera del artista son: 1.Hacia el reconocimiento La carrera del artista es difícil desde sus inicios, hasta el final, ya que es difícil entrar en el reconocimiento, pero es fácil salir de él. Hay muchos artistas que finalmente no consiguen reconocimiento, de hecho, el numero de personas que se arriesgan a vivir del propio trabajo es alto si lo comparamos con los que consiguen vivir de manera estable. Existen unas dinámicas las cuales sirven para encontrar aspirantes para la dedicación al arte. Para comenzar es saber que el artista no basta con tener talento, ya que además, hoy en día, saber usar los materiales con los que se trabaja está desligado a lo que el artista se refiere, hoy lo importante es la idea y lo que con ella se transmite. Por ello, el talento no es la única cosa a tener en cuenta, sino que está la promoción, tener contactos y críticos y marchantes eficaces. También se ha de tener en cuenta que no se busca solamente proyectos innovadores, sino que se busca la innovación pero sin perder lo ya aprendido, y lo que el público está buscando. También se busca que el artista tenga la capacidad de saber relacionarse, pero incluso teniendo algo de introvertido, debido a que, de esa forma hacerse visible sin mostrar todo lo que pueda aportar en sus obras, pero a la vez, sea capaz de captar lo que la gente quiere ver en ellas. El artista suele ser narcisista, y sensible al pensamiento de los demás, en el caso de ser una mala crítica podría ser capaz de responder agresivamente a la persona implicada. Esto afectaría a la imagen del artista y provocaría dificultades para mantener su estatus. Hay artistas que también suelen ser evitados por los comisarios debido a ser cerrados en la forma de querer actuar con sus obras y querer exponer en lugares donde no esten preparados. El artista debe ganarse la valoración y el aprecio de las personas que le sigan, y ademas se requieren por lo menos 10 años de incubación, antes de salir a la luz como artista. Conseguir vivir de ello no es una tarea rápida, sino un camino lento. 2. El grupo de compañeros. Los grupos de artistas pueden ser interesantes para los críticos, pero también puede surgir cuando hay conflictos entre artistas, esto también puede llamar la atención. El grupo de artistas con los que se rodea cada uno no tiene por qué tener el mismo pensamiento, incluso si no tienen las mismas ideas, luego puede ser fruto de conseguir trabajos mas originales por la combinación de éstas ideas. Es importante conseguir los contactos adecuados, lo que es recomendable es que ésos contactos sean los propios compañeros, que posiblemente es para lo único que vale las escuelas de artes, para conocer gente con las mismas inquietudes. A través del crecimiento de unos se va acercando el de otros, ya que llamar a galerías desesperadamente no va a conseguir una atención en el trabajo individual, aunque un artista que confíe en su propio trabajo puede resultarle interesante a los galeristas. Cuando se consigue contacto con artistas ya lanzados puede pasar que se cree un trato de hermano mayor, el cual ya ha tenido un tema que tratar y una temática, la cual ya ha sido usada, por lo que no se valoraría el trabajo del nuevo individuo. En Londres a finales de los 80, hubo lugares los cuales nadie usaba, y artistas jóvenes lo usaron para exponer sus obras, y además estuvieron haciendo folletos y revistas, las cuales creaban promoción para ellos y colaboraban con otros artistas de otros países. Esto provocaba un consolidación entre estos artistas aunque fueran individuales, pero a la vez, al haber unión aparecía un interés de la sociedad. También es importante el lugar donde mover el arte. Hay artistas que al dejar su ciudad para explorar oportunidades fuera de ella, han conseguido el reconocimiento que buscaban, como hacían los italianos en los años 50 cuando se iban para Paris a buscar su reconocimiento como artistas de forma casi obligada. Hoy día es importante dejar a un lado el confort que se produce en la ciudad del artista y salir de ella, para conocer otros artistas, otras relaciones y conseguir nuevas experiencias. Pero también es verdad que se empieza a pasar de las relaciones personales a las internautas, al igual que la expansión y promoción se están consiguiendo mas por redes sociales que trasladando las obras a nivel personal a otros lugares. 3.Los espacios expositivos autogestionados. Los artistas también han tenido épocas de unión entre ellos en las cuales han creado espacio expositivos autogestionados y sin animo de lucro ha sido uno de los pasos importantes para conseguir prestigio y no ir directamente a hacerse con el mercado. Hay algunos que han creado lugares para mezclar diferentes expresiones artísticas diariamente, lo cual implicaba ir al lugar expositivo sin saber qué se iba a encontrar allí, lo cual puede funcionar para que la gente vaya a ver lo que se ofrece cada día. Durante los últimos años se han creado diferentes lugares con esta idea, por ejemplo se creó el Ars Lab o el Apt art. Uno de los inconvenientes era que si una galería se interesaba por un grupo y podía hacerlo crecer, al ser grupos grandes no podían escoger a todos